Ariane Lopez

Ariane López-Huici comenzó a fotografiar el cuerpo humano en 1975. La mayoría de las veces, sus imágenes conservan encuentros con personas al margen de la sociedad comprometidas con una vida dedicada a la cultura. Celebran el movimiento del cuerpo y buscan desafiar las normas de la belleza clásica. En la obra de López-Huici, el cuerpo está lleno de vida, dignificado como una escultura e inmortalizado, ambos exudando poesía, calma, equilibrio, fuerza y ​​fuerza.

Una serie de nuevos trabajos del artista ha tomado un giro curioso con pintura y color. Ella altera pequeñas impresiones en gelatina de plata en blanco y negro pintando directamente sobre ellas con pinceladas mínimas de pintura acrílica y barra de aceite, antes de fotografiar e imprimir digitalmente la imagen mejorada a una escala ampliada. ¿Qué hace la pintura con estas imágenes que tenemos ante nosotros? En 2006, Lopez-Huici completó una serie de fotos llamada Scratches donde la película Polaroid ha sido manipulada a través de líneas, rayas, curvas y garabatos, creando imágenes abstractas dentro del cuadrado de la película no expuesta. Sus primeros Autorretratos y Venus de Manhattan en la década de 1990 también manifiestan garabatos, manchas y marcas en la fotografía, el primero en su propia figura y el segundo en un modelo más corpulento (haciendo referencia a la Venus de Willendorf) como ambos aparecen y desaparecen dentro de la dramática y misteriosa iluminación del estudio.

López-Huici a menudo cita a pintores figurativos como influencias en su trabajo, sobre todo Eugène Delacroix y Peter Paul Rubens, así como su compromiso con la inclinación modernista por el éxtasis. En esta selección de poses vemos cómo el sujeto ha transgredido el cuerpo a un reino de trance o éxtasis desconectando del mundo físico al del espíritu como se puede ver en las películas etnográficas de Jean Rouch en África sobre los rituales y prácticas de Songhai. La única fotografía que ofrece su feroz contacto visual con el espectador es Dalila 4, la mayoría de las demás tienen la mirada hacia adentro, hacia su cuerpo en acción. Las marcas de pintura son en sí mismas una forma de trance para López-Huici, quien al principio se involucra con su propio cuerpo al fotografiar a la modelo en su estudio con la libertad de una cámara de mano, pero luego encuentra formas de resaltar u ocultar la cabeza o el cuerpo. en colores primarios de rojo, amarillo y naranja.

Los gestos son rápidos, apasionados, furiosos y tallados en la imagen. A veces, el color agrega un cierto poder, en particular el de la cabeza de Dalila 7 (2011-2020) con una sensual raya amarilla que fortalece su noble frente, nariz y boca cerrada en una postura segura de sí misma. Esto contrasta con Dalila 14 (2011-2020), donde la desfiguración de sus ojos con una barra de aceite roja sugiere confusión mientras contemplamos una boca abierta: un grito o un rugido.

La relación de López-Huici con sus modelos nos profundiza a medida que experimentamos a través de su obra algunos de los excesos que el cuerpo humano, su carne, su éxtasis, sus alegrías y sus desafíos hacen posibles. Hoy estamos reconociendo bellezas más diversas que tienen poder e influencia dentro de nuestra sociedad. En medio de la constante lucha por lo humano, ahí es donde la obra de López-Huici tiene su lugar.

Amanda Millet-Preguntares artista y colaborador del Brooklyn Rail.